對於這個問題,有一些粗淺的想法。趁psycho還沒回之前,就先為王前驅了(X)。
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古典音樂作曲出現後,隨著時代演進、樂器的更新乃至於某些樂器被淘汰後,即產生了一個問題:對於古樂(例如:貝多芬、莫札特之於現在)到底該如何演奏?進而產生了不同的取向。
其中一種取向是因為器材現代化、場域與樂團精準化、錄音與標準化革命,以及當代數位/後製趨勢,主張透過現代更先進的樂器、理念,更強調演奏家個人特色、個人情感,並且,因為樂器的進步帶來更大的動態對比;相對而言,另一派則是主張應該透過古樂器(或是複製品)以貼近樂譜並且根據當時演奏家對於音樂的想法來詮釋演奏,例如:LPH 011的錄音就是強調古樂團,透過古樂來演奏莫札特的第41號交響曲Jupiter。
在現代派中,當然還存著不同角度的詮釋取向,例如:注重節奏更穩定,Rubato 節制、點到為止,追求推進力與線性流動、動態層次清楚但中等範圍,傾向以細微漸變呈現結構、音色透明、乾淨,弱音清晰,鋼琴和小提琴聲部分離度高的分析型或是Rubato 自由度高,重拍前後拉伸或推進,強調情感起伏、動態對比幅度大,強弱反差鮮明,追求戲劇張力、音色飽滿、溫暖,混響感較重,小提琴與鋼琴互相融合的浪漫型。
為了更進一步的認識歷史派與現代派詮釋的差異,以下以貝多芬第五號奏鳴曲為例,來說明這些詮釋取向的差異。
在了解了這些詮釋取向的差異後,進一步而言,詮釋有差所以呢?到底哪一種詮釋取向更好?或者說在藝術的領域這個問題應該是哪一種詮釋的取向更有深度?具體化而言,對於浪漫主義時期的作品,我們應該怎麼理解才能更深入的欣賞這種音樂的思考?
首先,我們可以古樂版本為基礎(HMC 902025.27)。來理解在盡可能逼近浪漫主義時期的音樂想像下,對於貝多芬第五號奏鳴曲的想像是甚麼?弦樂的運用是否很「浪漫」?把古典時期累積的曲式、結構的思考丟於腦後?
在聆聽完古樂版本後,我想心得大概會是:奇怪!為甚麼模仿貝多芬時期詮釋取向也沒多「浪漫」?多展現個人特色?通過古樂版本我們發現,原來貝多芬的浪漫,是相對於古典的浪漫,而不是個人式的浪漫。貝多芬音樂的浪漫是以古典作為基準參考點,想要表現出的浪漫。因此,古典時期堅持的結構、線條的清晰、透明不能夠被捨棄,轉向只有滿滿的自己想法。那已經不是貝多芬式的浪漫,而是直接的快感刺激了。用的比喻的說法,成人電影與藝術裸露畫差異大概就是如此的概念。
在有了上述對於浪漫概念的理解下,現代派詮釋的基本訴求是,如何在維持著古典對於結構、曲式結構美學下,彰顯個人特色。
ALPHA 407、EVCD037或是ARPCD0389均是以現代樂器追求現代詮釋的演奏。
不過,其中卻有水準的差異。
- ALPHA 407與EVCD037過於偏向古典主義的線條,雖然可以欣賞結構美感,但是欠缺「浪漫」
- ARPCD0389更糟,試圖浪漫卻導致結構清晰度消失。
當我們理解了古典主義的背景下浪漫主義的意義後,我們最後會來到的地方就是蕾菲布的理性浪漫主義。請聽SOCD 336第4~6軌,同樣是貝多芬的第四號奏鳴曲。雖然是1970年的老錄音,且並未經過從新壓片,導致性能不佳。不過,以詮釋而言,蕾菲布的鋼琴當然超絕,但請注意小提琴的表現。在不失結構的清晰度下,同時不失細微的動態變化、音色變化,來營造弦樂的個人詮釋。
總之,當我們以歷史的視角,來理解貝多芬的詮釋問題。最後,走向的可能答案之一就是以蕾菲布為代表的理性浪漫主義。當我們認識到古典樂詮釋的這個深度後,詮釋或許有萬萬種,但哪一些是真正有意義的?哪些是搞怪的?不敢說一目了然,但也有了相形之下,相對客觀而可靠的評價基準了。
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以上說明,仍然欠缺對於每一張唱片之中,具體聆聽感受,尚欠補充。因此,只能作為初稿,提供一些討論的想法。








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