從音響科學的調整到古典音樂美感的經歷(長篇連載)

[psycho]

古典音樂欣賞從貝多芬開始，便進入了『音色藝術』領域；再從白遼士、奧芬巴哈、法蘭克、聖桑，還要再加一個華格納....總之，這些貝多芬之後的古典音樂大師，通通是重視音色藝術的音樂家。換句話說，沒有聽見音色藝術、只聽到劇情與旋律(情感)，其實是不足夠的。

但是音色藝術如何欣賞？這就注定了音響系統一定得走hi-fi取向。因為音色藝術是非常客觀的：木管是什麼？銅管是什麼？木管加銅管是什麼感覺？木加銅再加上特殊不和諧音程又是什麼感覺？這種感覺都是客觀感受，任何聲音本質的扭曲，都會造成音色藝術的毀滅。

就好比現場聽psycho拉百萬小提琴，當然遠比百萬千萬音響系統播放葛魯米歐還要更高傳真；但是psycho的小提琴技巧太爛，扭曲了聲音本質，再怎麼沒有音樂素養的人，都可以輕易分辨出『寧可使用低價音響播放葛魯米歐！』。這是第一層次的音色扭曲。

第二層次的音色扭曲，是錄音水準不足，或者音樂廳現場位置太差。例如在國家音樂廳四樓最後位置、或者是第一排最左或最右位置欣賞葛魯米歐，說不定比手提音響播放正確錄音還要糟。

第三層次的音色扭曲，就是音響重播的失真問題。

第四層次的音色扭曲是個人問題：如果己經在音樂欣賞的『態度』上徹底排除了音色藝術，那即使當場聽到再好的音色，也會在認知上扭曲而『認為』不重要、甚至反過來認為是『缺點』。


既然音色藝術如此真實存在，單純的音樂欣賞者有沒有入門方法可以依循？我個人主張一種方法：尋找各種樂器錄音最正確、演奏也最正確的獨奏唱片，努力學會分辨每種樂器應有的音色。然後再透過室內樂，學會分辨『兩種』樂器混和的音色藝術。最後，欣賞管弦樂，學會分辨『多種』樂器混和的音色藝術。

因此我想推薦各種樂器演錄雙絕的唱片，正是嘗試從客觀的音響科學，促進人文的音樂欣賞素養。

以下是我在另一討論串強烈推薦的銅管唱片，演錄雙絕，足以學習銅管音色的辨認能力。

Indesens 這廠牌的銅管唱片太可怕了！

http://www.resmusica.com/article_535...de_course.html

http://www.resmusica.com/imprimer.php3?art=4272

上一張是小號，下一張是長號(伸縮喇叭)。『兩者音高接近時』，我發現我幾乎分辨不出兩者的音色差異呢？！音響該升級了嗎？...:P

雖然分不出『兩者音高接近時的音色差異』，不過到是明顯可以分辨另一種音響性能的差異，就是『形體感』。即使音高接近，小號明顯感覺發聲點小，聲音呈長扇形柱狀投射而來，就像隻長長的喇叭。長號則是發聲點大，聲音在發聲點就己經有擴散，投射區明顯大於小號。

真有意思，分辨不出音色差異，卻可以明顯分辨出發聲的投射區域如此不同；這是音響性能的那一種指標？...:P

[psycho]

既然音色藝術如此真實存在，單純的音樂欣賞者有沒有入門方法可以依循？我個人主張一種方法：尋找各種樂器錄音最正確、演奏也最正確的獨奏唱片，努力學會分辨每種樂器應有的音色。然後再透過室內樂，學會分辨『兩種』樂器混和的音色藝術。最後，欣賞管弦樂，學會分辨『多種』樂器混和的音色藝術。

再來，推薦這張欣賞『短笛』與『長笛』音色融合的唱片：
廠牌：SKARBO / 編號：DSK4085，
短笛之神Beaumadier的另一張新錄音，與日本大師工藤重典合作，演奏著名歌劇場景，合奏效果美妙，非常動聽！(引述自新天新地網站)


這張的音色藝術學習法是：

仔細欣賞短笛與長共同出現時，音色的融合感有什麼感覺？

什麼？你說這個不重要？那我請問大家瘋得要命的貝多芬《第九》交響曲的合唱樂章，人聲唱完快樂頌主題後，出現軍樂敲擊樂器。ok，這時先是長笛演奏主旋律，再來就是短笛加長笛同時演奏主旋律。也就是說，貝多芬又不是吃飽沒事幹，多了短笛的目的何在？就是要呈現音色融合感的音色藝術嘛！

所以，聽不懂這種音色藝術，別告訴我你是真心喜愛合唱交響曲.....:P :P

其實第六交響曲《田園》的第四樂章也是常出現這種短笛與長笛的音色融合感，只是沒有前述這麼重要。

SKARBO 的錄音當然發燒到爆，可惜比較殺音響。幸好長笛與短笛樂器本身的聲音不會殺音響，只有中頻太厚的音響系統會產生嚴重的刺耳感。

[Rover]

有一個法國歷史錄音廠牌出來一陣子了
除了有幾張早年的音樂院及Lamoureux, Colonne等法國團
還有一堆德奧的老大師...


真的很著急 希望能被正確的人代理到啊!!

[psycho]

對自己的記憶，不要太相信...

當我們開始玩音響後，當然絕對不可能同時 a b test 所有的唱片錄音與音響器材，所以許多時候我們的『判斷』是植基於我們先前其他感受的『記憶』。這就牽涉到人類聽覺記憶力有多麼不可靠的嚴重問題了。

當然了，越重視『音』：越是科學地分析音樂，越是科學地玩音響，聽覺記憶越可靠這是永遠不變的事實。不過，有時一不小心還是會嚴重犯錯。

很早就到處推薦下面這張cd有史以來音域最高的花腔女高音唱片，而且到處試聽：

１０、人聲：錄音史上音高最高的女高音－荷邦，可惜是歷史錄音 mono。

介紹：
http://stsd.pixnet.net/blog/post/23586458

結果，當時拿這張唱片去太多『錯誤音響』試聽：錯誤音響的特性就是誇大中頻，導致人聲極端浮凸，背景樂器不夠明顯。聽太多次後，害我對這張唱片本身的錄音有嚴重錯誤的印象......;( ;(

後來聽到這一張，完全只在新天新地與我的中壢室進行聆聽，完全沒有錯誤音響的污染，導致聽覺記憶只記住正確音響的播放效果：

結果，有偏差的聽覺記憶下，我認定了這張唱片的錄音比前一張好，還去新天新地跟主惟辯論了一堆.....

主惟給我一個殺手判準：這張cd是decca的mono錄音.......哇我慘了！可能犯錯！回家趕快使用正確音響好好重聽上上面那張 INA，結果........
他XXXXX的............
聽覺記憶真是完全不可靠...........
還是明顯上上那張INA的『好太多』！....(sweat)

當然了，錄音室的正式錄音有PITCH穩定、母帶狀況好、雜音少....種種優點。但是只要需求最完整的樂團聲音與女高音咬字腔調，那麼毫不修飾的『現場錄音』就是遠遠大勝『修飾取向(如DECCA)』的錄音室產品。不過，這種『毫不修飾』不但超級殺音響，也是超級殺音樂：音樂欣賞能力若沒有達到平行式處理的層次，只怕會聽不出來。

聽覺記憶實在真是不可靠......

[psycho]

從小開始聽古典音樂以來，一直對於人聲的古典音樂如藝術歌曲或歌劇充滿排斥；總覺聽不懂、聽不慣、沒意思......不像鋼琴或小提琴一樣總是千變萬化。

現在聽了一大堆 Malibran 的黃金年代歷史錄音之人聲唱片(主要是法國與義大利歌劇)之後，卻發現我自己己經莫名奇妙學會了分辨人聲演唱技巧的好壞；開始感受到：原來『人聲』也是千變萬化。

仔細想想，很可能先前對人聲沒興趣是卡在這兩點：

第一、不懂人聲的技巧，例如一般愛樂者總愛強調男高音的HIGH C或女高音的HIGH C，但是這些歷史上的歌劇高手卻不在此。

勉強來說，她(他)們『咬字清晰』，努力讓『語言的韻味』與『音樂的韻味』是完美相乘而倍增的。這就好像小提琴的泛音與雙弦人人都會，但是一跟超級高手富蘭奇斯卡第或Tosi相比，馬上就變成咬字不清的尋常小提琴師......

使用這種『音、樂分立』的方法聆賞歌劇，完全不必理解歌詞與劇情，就可以輕易感受演唱者的技巧了。

而過去40年來不喜歡人聲，一方面是聽不懂，更可能是『沒有聽過高手』、誤以為人聲藝術僅僅如此低水準，造成內心隱隱鄙視人聲音樂。聽到 Renée Doria 之後，嗚.....我對不起人聲這個樂器，原來人聲可以如此高明......


第二、因為不懂人聲技巧，所以欣賞人聲傾向感受卡拉絲式的『戲劇性』。這當然不是錯誤的，但是『戲劇性』是『樂』的層次，是一種主觀的詮釋與感受，聽久了真的很容易無法『更進步』。

相對的，回到『音』的層次，把『人聲』視為像小提琴一樣多樣的技巧與音色變化、當成一種樂器、欣賞它與樂團的融合效果。ok，又學會了人聲的分辨能力了。


『人聲』對音響是良藥也是毒藥。因為人聲是我們最熟悉的樂器，所以只要學會分辨人聲的『音色能力』，那麼無論原始錄音再怎麼爛，都可以輕易聽出演唱技巧的水準。不像鋼琴，錄音爛到某種地步，就難以聽出技巧好壞了。

所以 Malibran 這些超級老錄音，對我來說與現代錄音藝術相比別完全不影響；因為原始錄音再老再爛，演唱者的技巧仍然可以輕易分辨，造成很快就可以進入音樂本身的享受。

毒藥是，如果人聲聽的是『情感(戲劇感)』表現，那完蛋了。我們對人聲的熟悉度，造成再怎麼爛、再怎麼錯誤的音響，都可以輕易辨認出人聲的『情感(戲劇感)』表現。換句話說，聆聽到人聲的情感表現，無法正確分辨音響的科學性能。

人聲的唱片可不可以分辨音響的好壞？如果是欣賞該唱片的『磁性』、『渾厚的嗓音』、『嬌豔的美聲』這種偏向情感表現的層面，大概會造成誤判。至於流行歌曲或jazz的人聲要如何判定『音色』的『技巧』，我就完全不懂了.....