抱歉!我不是說“空氣感”,我說的是“音場深度”。(blush)(blush)
調整俯仰角還會影響到不同頻侓的反射音的量,這每個人的環境都不同(地板,天花板)。這我可就沒啥研究了(我的地板是地毡,沒什麼反射):(
坐位高低影響各個單體發出的聲音到達耳朵的平衡(不同頻侓的聲音的量的不同)。
可列印查看
kevintran一定跟我一樣都主張『對事不對人』,所以我們針對上述聽感來討論就好了....:D :D
其實我個人一直覺得,『增加訊息』與『減少訊息』就是我感受到的『正確』與『錯誤』,若是真的要扯上國家,從現代化資本主義社會的分析,就可以知道英、美這些資本主義發達的國家,必定主張古典音樂只是商品而不是藝術品,所以『入門』比『進階』要重要太多,因為『銷售』遠重要於『欣賞』。再加上,我們總有個迷思:認為古典音樂就是最高貴的,不會欣賞就低人一等,於是資本主義的商品為了吸引更多人『入門』,勢必要把很複雜的古典音樂『削減訊息』到很簡單,這子才能說服人、吸引人:我聽懂了........
所以這些『成功的』資本主義商品,最大的特色就是『削減訊息』:以LP為例,不要我第一版英國版有多麼好聽,隨便 A B TEST就知道英國版特色就是削減超高頻與超低頻;以CD為例,只要是英國主流樂評推薦的發燒片,一定是聲譜圖上嚴重缺乏超高頻與超低頻的唱片;以音響為例,別跟我說英國聲.....救命啊!再以音樂演奏家為例,像卡拉揚、慕特、柏林愛樂、維也納愛樂......通通都是『英國團』。咦?他們不是德奧傳統?錯了,真正的德奧是肯培、是Sherchen、是約夫姆、是貝姆;像卡拉揚這種任何音樂都可以削減聲部到非常好聽、具有『卡』式特色的音樂演奏家,隨便一查都會知道負責捧紅他的經紀團體是一國的美學....:P
而柏林愛樂與維也納愛樂早就變成英美經紀人要求的『大眾聲』,柏林愛樂跟柏林國家交響樂團相比,前者是英美後者才算是德國;維也納愛樂與維也納歌劇院樂團相比,前者仍然是英美後者才是真正的維也納。
以上當然很勁爆,就當成《誰謀殺了古典音樂?》這種等級的八卦好了,不負任何解釋的責任....:P
我可從來沒有說法國一定好、或英國一定差,我是專指『資本主義行銷的商品』,剛好跨國資本主義最興盛的就是英美觀點,所以『削減訊息』的商品才會多半來自英美。
聽古典音樂只是輕鬆打發時間的話,實不必像上述這麼嚴肅思考;不過在這個進階級的討論串,我當然一定是要求進階級的認識,所以就會累一點、辛苦一點,才可以像品酒品咖啡一樣接觸到有價值的美感。
我認識不少去德國學指揮的指揮家,談到卡拉揚,至今沒有任何人承認他是德國風格的指揮家....:P 只是請注意:我可沒有說卡拉揚很差勁喔!只是說,他代表了『削減訊息』的演奏方式,不是我的茶,他與柏林愛樂更絕對不是什麼德奧傳統....:D :D
這還差不多,如果說調整座位高低可以影響空氣感,我一定會嚇死!....:D :D :D
我的文章非常容易被有心人士故意利用來鬧場,亂七八糟的回應大家千萬不要理會,我會在第一時間刪除,不需要浪漫時間存心鬧場的有心人士上。
再次敬告:本討論串『絕對』不歡迎coke先生加入,敬請離開,謝謝!
古樂團的演奏確實有意思,在下也是嘗過甜頭後就欲罷不能,kevintran兄的觀感跟我一樣:充滿活力、直接、透明,樂曲中的細節都浮了出來。
至於Dr. Kao的觀點,其實我大多認同,或許每個人對文字的解讀有些差異,但我想聲音融合成一片跟模糊不清(聽不清某聲部)其實是兩件事。依小弟我有限的樂團經驗 (高中吹了三年小號),同一個聲部的合奏至少要在音準、節奏、語法、音色上要儘量趨於一致,假設今天有兩把小號吹同一個樂句,完美的合奏應該會讓你幾乎聽不出來有兩把小號 (這是比較一般的觀點,不見得每個人都認同:P,當然兩把跟一把在聲音的能量和密度上肯定是有差異的),如果作曲家想要在同一種樂器中營造不同的音色或效果,他大可寫成不同的聲部,或是在編制上要求用小號加短號,或是把一支小號調到到後台去吹,聲響效果也就會有差異。至於各聲部音響效果的呈現,個人認為跟指揮有很大的關係,未必是合奏能力的問題,畢竟樂曲各section的balance及速度/語法是由樂曲的指揮所決定,今天我指揮一首曲子,譜上要木管在這個小節吹mp,我可以要他們把音量提高到mf,端看我希望怎麼呈現這首曲子。另外,樂團平時的訓練,也會影響最終的音響效果,我們高中時銅管樂器被嚴格禁止吹出帶有爆裂感的音色,呈現出來就是比較圓潤的聲響,但少了點刺激感跟音樂的鮮活度。樂團合奏是一門大學問,一言難盡啊‧‧‧每個人欣賞音樂的美學觀點不同,沒有絕對的對錯啦,聽的開心比較重要。
多謝 kjchen 網友提出不同的觀點並且如此詳細的解釋!.....:D
不過我還是想說得精確一些:
我其實完全同意 kjchen網友對合奏的上述描述,但是隨著我對古典音樂的認識,我個人是越來越覺得我與 kevintran 提出來的是『另一種角度』,而且,是一個古典音樂欣賞歷程中很少被注意的角度;所以值得我們主動地去推廣出來!....:)
今天的問題是很多人太容易把我與 kevintran 提出來的欣賞角度『當成』是合奏能力混亂,所以才會引來我們辯護的....:P
以上是基本態度討論原則,以下就是我私人、主觀感受了,當然不是對錯問題,而是個人選擇問題。
如果有人願意相信我的古典音樂素養,那我得強調我想要提出的是一個『進階』的問題。因為能夠達到『完美的合奏應該會讓你幾乎聽不出來有兩把小號』的樂團在唱片界有一大堆,但是能夠達到『完美的合奏應該會讓你幾乎聽出來有『極明顯的』兩把小號,而且和諧共處』這種等級的樂團真的很少。只要大家承認古典音樂中『的確有大師這種東東』,那理所當然有這種合奏能力的少數樂團最可能就是那種大師,只是我們沒注意到而己。
當然了,如果不相信我的古典音樂素養,就當成一個另類觀點看看就好!能好好交流呈現自己的私人角度是最愉快的了....:D
最後,先前我在《交響情人夢》的文章談到羅西尼的《威廉泰爾》序曲,因為覺得這是沒水準的通俗音樂,所以隨便找了卡拉揚DG與NAXOS的兩個版本就比了起來。後來從拉威爾追溯到奧芬巴哈,想了解真正的羅西尼是什麼,幫助對奧芬巴哈的正確理解。於是找到三個黃金時代巴黎四大樂團的《威廉泰爾》序曲之LP,通通都是嚇死人的正確錄音,一聽之下..................
..........嗚嗚,羅西尼我對不起你,原來《威廉泰爾》序曲一點都不會沒水準,原來在高明的樂團底下才真正理解為什麼《交響情人夢》裡的千秋要花這麼多時間讓樂團各聲部合起來,原來卡拉揚的《威廉泰爾》序曲,聲部削減到不到 1/2 的離譜地步。是錄音還是演奏造成的?我那知道?.....:P
先澄清一下,我的聽力還沒到Psycho大說的“聽到兩隻小號和諧的吹奏”。(sweat)(sweat)
我對卡拉揚的馬勒第五號(這樣比較明確,不會以偏蓋全)的問題是,我很多時候只能聽到“少數”的幾個聲部(特別是第一小提琴和銅管),其他的聲部都被“主要”的聲部“遮蔽”了. 這是我所謂的“混到一起的聲音”。如果把這個錄音當成背景音樂(邊聽邊作菜,邊聽邊開車,等等),那應該還不錯(這個錄音的第四樂章收錄在卡拉揚大賣特賣的Adagio那張CD)。如果和別人的版本一比,您大概會注意到“咦?這些地方我怎麼沒聽到過?”|(|-|(|-
這是錄音還是指揮的問題?我不知道但我記得卡拉揚對他的錄音很重視,我應該可以說這是卡拉揚認可,符合他的美學的錄音。這個美學觀點的認同就是很主觀,很個人的問題了。
附註:我現在聽的是 Wyn Morris 指揮 Symphonica of London (IMP 出版,好像已經絕版多時了)。
我大概可以理解psycho前輩的意思, 這確實是非主流的美學觀點, 我個人也可以接受, 各種演奏和詮釋方式都有它的趣味, 至於合不合口味就是個人的主觀選擇了...
kevintran兄, 我也不喜歡卡拉揚, 你提到的馬勒五, 我覺得指揮的問題居多, 卡拉揚就是想要這樣的聲響效果, 他心中的馬勒五就是要這樣演奏
kjchen 請別客氣,我不是什麼前輩啦!.....(blush)
結束這個話題前,我很奇大家有沒有讀過我那篇先發表在這裡、再發表到中時blog的《貝多芬交響曲的法國演奏傳統》?
http://blog.chinatimes.com/psycho/ar...24/301774.html
我裡面提到:
以上的標示文字顯示,從客觀的歷史證據來說,德國(德奧樂團)是孟德爾頌與華格納這種最高等級的德國作曲家都公認比不上法國樂團的後起之秀。當然後起之秀可能贏過前輩,然而有多少『現代的德奧作曲家』認為『法國樂團比不上德國樂團』,我非常想知道有沒有!....:D引用:
目前我掌握的資料是:《古典音樂雜誌》第四期 P.38 巴黎管弦樂團的介紹:() 內是我自行加註的文字。
『.....巴黎音樂院管弦樂團(1828創立,應該是現存歷史最悠久的?),第一場演奏會以 Habeneck 費心研究過的貝多芬《英雄》為中心。1831舉辦第九交響曲在法國的首演,翌年孟德爾頌(這個應該是正統德派?)聽過後贊美『這是我所聽過水準最高的管弦樂團』,並一一告知祖國的家人。1839年參觀過該樂團《第九》排練過華格納(正德派),也對他們完全按照樂譜精確而忠實的演奏驚嘆不己,因為當時一般的樂團,遇到艱難樂段往往只好改編.......... 』
這個客觀的歷史證據,難道大家都不會因此想到了什麼嗎?.....8) 8) 8)
整理這個討論串的舊文章,好久沒有寫落落落落落落...長文章了.......:D (blush) :P
『音響重播就是現場演奏』的觀念挑戰:進階的音樂欣賞角度
由於這次的2010高雄音響展,再加上運氣極好地馬上體驗到 NSO 讓我極度滿意的現場演奏,同時又聽到現場的馬林巴琴演奏;這樣良好的比較下,我想再次建構一個關於進階級音樂欣賞的挑戰性觀念:『音響重播「就是」現場演奏』。我當然知道非常多人都主張現場與唱片不能混為一談,這是一個容易混淆的『假議題』,必需先加以辨正。
● 『音樂欣賞』是什麼?
現場當然與唱片或音響完全不同!一個叫做現場,一個叫做音響,字面就己經完全不一樣了,那裡還需要費盡心思證明兩者不同?這時就會出現思辨上的『假議題』:現場本來不等於音響,把這種現實上的自明的現象舉出來,論證的意義何在?這時會出現截然不同的兩種人:
第一種是我要強烈批判的音樂觀念偏差,他們常常說的就是:『沒有聽過誰誰誰或某某樂團的現場,所以理所當然不知道什麼什麼....』。按照這種『假議題』:凡是沒有聽華過現場的華格納,就永遠比不上漢斯力克那麼了解華格納?人家漢斯力克所聽過的華格納可是『指揮與音樂家同在的現場』!所以凡是認為華格納的音樂不差勁的愛樂者,通通比漢斯力克沒水準?......當然布拉姆斯的音樂更是超級沒水準了,聽過『現場』布拉姆斯的親自指揮之華格納與布魯克納都認為布拉姆斯的音樂很差勁,你只是聽過『不是布拉姆斯』親自指揮的布拉姆斯現場也敢說布拉姆斯算什麼好音樂?(當然以上是否符合史實不重要,重要的是論證)
現場當然與音響完全不一樣,但是這個論證如果要有意義,必需是放在『音樂欣賞』的前提下。如果現場與音響『不會造成』音樂欣賞水準有高下,那麼提出現場與音響不一樣就會犯了嚴重的型式主義謬誤,誤以為只提出不同就可以證明什麼,那就一定會掉進我上述的『華格納與布拉姆斯都是差勁音樂』的迷失了。
正確的議題是:『現場與音響是不一樣的,這個差異會造成音樂欣賞的水準有什麼差別?』。所有主張現場比音響更能正確欣賞音樂的愛樂者,從來都沒有針對這個真正的重心議題論證,而是盲目地提出兩者不一樣就自以為可以證明現場優於音響,這種固著性的邏輯謬誤一定意謂某種真相被掩蓋。
我得指出的事實就是:『現場與音響的不同,完全不影響對己故音樂家作品的欣賞』。只要誰想否定這個前提,就必需處理『華格納與布拉姆斯都是差勁音樂』的自相矛盾;否則,現場優於音響(唱片)的謬誤論述,完全變成音響族與愛樂族的自我否定,反而使三流音響產品與三流唱片演奏可以輕易被吹捧成主流。
第二種是例如我非常尊重的專業音樂人士林芳宜小姐:她強烈主張現場不等於音響,但這是因為她著眼的是『現場感受』與『音響感受』有其根本不同的意義,產生不同的價值需要。如果我們詢問:難道沒有聽過現場的貝多芬,就永遠不了解貝多芬?沒有聽過現場的拉威爾,就會永遠不了解什麼叫音色藝術?這些問題我雖然沒有問過她,但是很有把握她的答案當然一定是『沒這回事』了....:) 對於這種頂級的音樂專業人士來說,現場之所以與音響不同,是很多『意義』層面上的不同,而不是音樂與聲音的藝術內涵之根本不同。
所以,回歸『音樂欣賞是什麼?』這個簡單前提:我們平凡的愛樂者,聆聽現場還是聆聽音響,會有音樂素養的水準差異嗎?
● 我們想聽到什麼音樂?
在這次 NSO 的現場演奏中,我感受到呂紹嘉是一位非常忠於音樂的指揮;他『不像』許多知名指揮會『為了迎合觀眾水準』而『故意降低演奏深度』,比方說,濫用詮釋而忽略音樂的多聲部結構。同樣的,NSO本身程度雖然不佳,但是被呂紹嘉狠操之後,一點都不像多數來台的知名國外樂團一樣『擺爛』,從而表現出真正的管弦樂『聲音』出來。
這是什麼『聲音』呢?每個聲部都清清楚楚,第一小提琴演奏主旋律時,第二小提琴、中提琴、大提琴與木管、銅管的線條仍然清晰無比;而且,每個聲部的視覺上的空間深度,閉上眼睛後,聽覺的空間深度仍然一樣。
沒錯,經過這樣的現場與音響極接近的比較之下,我可以斷定,我所謂的『正確錄音』再加上『正確音響』,目的就是讓音響重播『完全等同』現場演奏。除了現場的一些無關『聲音本身』的層面外(比方說,像大家當年都熱愛到電影院一起看《海角七號》的這種『共同參與感』),若要證明現場不等於音響,我會優先懷疑這樣的論證,來自於誤以為唱片總是『加料唱片』,音響總是『加料音響』。
縱使幾千萬元的昂貴音響系統,只要一播放 DECCA、DG、RCA、CBS、EMI ENGLANG......無論多麼『好聽』,都絕對無法產生『現場感』。現場怎麼可能聽到獨奏大提琴隨著音頻由低到高、從舞台右邊跑到中間甚至左邊?現場怎麼可能聽到首席小提琴平時消失了,只有獨奏時才碩大無比地跑到正中央?認定音響不等於現場,其實是被唱片(與錄音)欺騙居多。
幸好我開始玩音響之後,直接遇到『正確錄音』,所以一直感受到『音響重播明明跟現場演奏相差不多』;而且,僅使用三萬元系統就隱隱感受到這種方向......但是,我自己過去的現場經驗往往感受不佳:有缺陷的管弦樂團,聲部一定模糊不清,跟『加料錄音』的聽感一樣『糊』。但是現場絕無相位失真的音響問題,加料錄音鐵定相位失真而造成音場與舞台的嚴重扭曲,結果就造成『任何人』都可以輕易發現『演奏很差的現場』與『加料唱片』有極端根本的不同,這就造成很多人都認為『現場』不等於『音響』了。
同樣的,音響走向加料美聲,也會造成無論數百萬音響系統、即使播放正確錄音樣照樣不會有現場感的問題。此外,雖然說只要三萬元的『正確音響』走向就可以得到『現場感』;不過,音響科學終究是科學,真的要求極致的『現場感』、走向極小失真,還是得花大錢,這也是我日後只好認命投資在五十多萬元音響系統的主因。
● 為何追求『音響重播就是現場演奏』?
既然一般人皆有感受到『現場不等於音響』現象,也知道是錯誤音響與錯誤錄音之故。那麼,提出這個差異的意義何在?
我所有的文章,反覆說明所謂的『正確』與『錯誤』的現象就是『資訊量』的高低;正確錄音即使是192X的MONO錄音照樣可以聽到一大堆音樂資訊,錯誤錄音即使是最尖端最傳真的錄音,照樣聽不到音樂的多聲部結構、尤其是聽不到樂團的合奏能力與音色藝術。習慣錯誤音響與錯誤唱片的愛樂者,總是喜歡把卡拉揚這種減少聲部、再突顯第一小提琴的演奏方式當成正統德奧之聲(這裡並沒有證明卡拉揚是好是壞);其實從巴哈經過貝多芬到布拉姆斯,這些德奧大師明明都是最注重多聲部結構;聽過德勒斯登樂團或慕尼黑愛樂,就可以知道正統德奧之聲一定最重視多聲部的結構平衡,那可能演奏成第一小提琴協奏曲?以上都證明著,錯誤音響與錯誤唱片直接造成愛樂者音樂素養出問題。
(寫這篇文章前,經由 MY-HIEND網站的 john925網友提到:『聯合報的 New York Times看了一篇報導.....文中還提到某大學作的調查,發現聽隨身聽習慣的人,竟然會認為「資訊量少」的音樂是比較好聽的.....』,相關音樂心理學的報告我一時找不到,但肯定看過類似的相關研究,在此請有興趣的網友協助尋找...:P 這是更具關鍵的科學研究。)
所以,為何要求『音響重播就是現場演奏』?因為,一但否定這個命題,形同放棄對『更好的現場』與『更好的音響』進行高資訊量的追求。我們憑什麼說以前的NSO表現不佳?是忠實根據聽感還是人云亦云?當然了,我們是根據平時認真聽唱片,艱難地從錄音錯誤的錯誤音響中,努力找到可以據此批判NSO的音樂水準,從而了解如何要求NSO更上一層樓。我們又憑什麼說這套音響比較高傳真?當然可以根據我們聽到良好的現場小提琴或鋼琴,再據此批判我們的音響那裡不夠水準,從而調整或升級而讓音響的性能提升。
由上可知,『音響重播就是現場演奏』直接關聯於音樂中『聲音』辨別的能力提升,縱使本質上現場不是音響,但是方法論上卻是促進音樂素養的正確手段。用個哲學說法,『音響重播就是現場演奏』至少在『方法學上的唯名論』是正確而有效的。
相對的,力主『音響重播不是現場演奏』的意義何在?據此,我們憑什麼知道唱片的演奏正不正確?現場的演奏又正不正確?結果,除了極少數天生奇才外,從來沒有看過力主『音響重播不是現場演奏』而可以得到樂團合奏能力或音色藝術的正確認識。換句話說,力主『音響重播不是現場演奏』者往往放棄兩者相互提升的方法:聽到音響重撥出不像現場的美聲,輕易去妥協這是器材天限;聽到現場演奏沒有唱片演奏那麼正確,輕易去推託這是錄音狀況不一樣之故。當他不相信兩者,最後的判準是什麼?很可惜,不是個人哲學思考凌駕聲音本質,就是輕信廣告文宣大師而不信自己忠實的雙耳。
在我個人的經驗,再三遇見凡是只玩音響不聽音樂的發燒友,只要音響是正確走向,都可以在幾張唱片的對比下立刻學會高難度的樂團合奏能力或音色藝術之正確認識。最後常常發現,重視『音響性』的人,往往音樂素養遠高於重視『音樂性』的人。其實,只是因為往往『音響性』等於提高資訊量、『音樂性』常常等於減小資訊量。
● 結語:
有人說,常聽國外現場演奏有差別嗎?我個人是認為一點幫助都沒有...... 因為越有名的國外演奏會,越是傾向『為了迎合觀眾水準』而『故意降低演奏深度』;能不能跟呂紹嘉相比?我是非常懷疑的。
我當然知道 NSO有一大堆音色不佳、放砲與合奏雜亂的缺陷,問題是『平行的多聲部是否夠清楚』這個嚴苛的判準,這是我首度在台灣可以聽到的『正確演奏』。只有這種正確的演奏,才可以輕易感受到它與『正確錄音』、『正確音響』是完全相同的聲音本質。
當然了,這並不是一篇入門的文章,而是進階級的要求。近來再三遇到宣稱法國樂團演奏不夠整齊的言論,本來只是個人主觀喜好無需深究,但是居然把許多強烈減少資訊量的『錯誤演奏』當成瑰寶並宣稱那是德奧傳統,再據此批判法國樂團合奏不整齊;也就是要求演奏巴哈千萬別出現對位旋律才算整齊、演奏貝多芬千萬別聽到銅管與木管才叫做整齊......如同上述引用網友的看法:難道愛樂者隨著MP3現象,也變得喜愛減小資訊量的演奏?喜歡單純的音樂無可厚非,但是儘情享受藍色多瑙河就很快樂了,何苦定要欣賞貝多芬?結果從而要求演奏貝多芬的交響曲必需像藍色多瑙河一樣才是德奧正統......我啞然了。
換句話說,我越來越強烈感受到『減少資訊量』成為當前音樂欣賞最可怕的媚俗力量,造成進階級的音樂欣賞完全無法達成。更糟糕的是,古典音樂界大多數是『偽裝的古典音樂迷』(參考:從古典音樂的《入門問題》談起);唱片這種『商品』一定得滿足多數人(偽裝的古典音樂迷)的胃口,對他們來說,減小資訊量才是最輕鬆、最容易假裝聽得懂的演奏方式。於是所有知名的大師,鮮有不是『減少資訊量』的錯誤演奏;我才會說即使專程出國欣賞國外高級音樂廳,照樣躲不了這個嚴重問題。
這篇文章是一個開始,凡是陷入『減少資訊量』的議題都都需要好好籬清,否則難以達到進階欣賞的音樂水準。『音響重播不是現場演奏』是『減少資訊量』的常見謬誤思考,至少在『方法上的唯名論』會直接造成放棄追求唱片錄音與音響重撥的高品質要求,值得所有愛樂友與發燒友深思!
(END)
好文推一下~
題外話:老大你的運氣真得很好, 聽到一場NSO正常發揮(或超乎發揮?),
這真得很難得.......小弟在09季初買了套票,聽到今年還剩下4場的時候,
決定不再浪費時間跑去聽了,那種基本功都沒練好的出槌,不值得。
倒不如多聽聽老大推薦的唱片(blush)
在我個人的經驗,再三遇見凡是只玩音響不聽音樂的發燒友,只要音響是正確走向,都可以在幾張唱片的對比下立刻學會高難度的樂團合奏能力或音色藝術之正確認識。最後常常發現,重視『音響性』的人,往往音樂素養遠高於重視『音樂性』的人。其實,只是因為往往『音響性』等於提高資訊量、『音樂性』常常等於減小資訊量。
(blush)大大可以考慮..整理出書.:P
我們都愛看電影(成品).若去看拍片現場會極無聊|-).
我們都愛聽音樂(藉由音響重播).若去聽錄音現場搞不好不悅耳(sweat).
電影由拍時到後製~一定效果天差地!:)
CD或其他訊源:由實奏.錄.製作.到還原~差距相對小太多了.
我輩..玩 HI FI..HI END 者.為何如此龜毛?:P8).
那篇文章還提到一點,覺得也滿有道理的。就是每個時代(or 世代)對於好聽的音樂會有不同的定義,或認定標準....
以音響設計為例(個人資歷淺薄,有誤還請指正),以前所認為好聽的音響,和現在所認為好聽的音響,應該是有相異之處。
在一位長輩家聽AR3A,寬鬆,溫潤,速度慢點,但也算好聽。
前任喇叭Triangle Celius 202,速度快,定位清楚,針針到位...好聽嗎?那當然,不然不會開車到文聲去載...
New York Times的那位記者,文章客觀陳述一些事實,但其實應該透露出其內心按耐不住,表達他過去所熟知的美好音樂,可能會在數為時代消失匿跡的感嘆吧!(沒有查證,但我猜這位記者應該有點年紀吧!)
好聽的音樂在哪?其實,大家心理都應該要有一把尺。當音響製造商,把他們所謂好聽的音樂,好聽的調聲端出來的時候,就在乎個人是否認同、買帳了。
好聽的器材、優先的錄音、有素養的網友、進入音樂核心的聆賞方式...等都不少。重點是如何建立心中「好聽」的那一把尺。如果能夠再多多參考其他心得,截長補短,吸收比較,這樣音樂的視野,就又能夠擴展。
這麼慘?是誰指揮的?....:P :P
nso 的確很不成熟,所以要欣賞他們的現場我個人是覺得相當困難。如果只是專注於樂器自身有沒有良好表現,那麼nso出錯的機率真的太高了。所以我才會換個角度,改從進階級的樂團合奏能力去欣賞,這時聽到的重點是指揮的能力,樂團本身的缺陷會干擾變小......:D
例如我評價極高的呂紹嘉那場,首席小號放了個大砲後,一直懊惱地看著樂器。如果這時候『視覺』重於『聽覺』,只到他驚慌失描卻沒聽到他的音色『從此與樂團好好地融合起來』,那就會像很多網路上的評論,只『看到』小號放大砲,卻沒『聽到』小號與樂團終於融合成功了。
這個例子也說明了,很多聽現場的人是用『看』的,不是用『聽』的.....8)
葉sir請別客氣!.....:)
其實我個人從知覺心理學來說,葉sir提的現象很簡單:如果一部好萊屋電影的十億投資在製作一張唱片,這張唱片一定會要求最高的傳真標準!....:D 只可惜我們玩音響的發燒友,對軟體的要求實在太低太低了.....(blush)
同意每個人都要好好建立『自己』的聲音標準!.....:D :D :D
不過『每個時代的不同』,我個人傾向認為是『科學水準的高低』造成的;老音響會有那種聲音,有可能是以當年的科學水準完全無法設計出『能商品化』的高傳真聲音,妥協之下,只好變成『老聲』....:P
我之所以敢這樣猜測,完全是從錄音科學而來....:) 因為在我的體驗中,無論是多麼偉大的傳奇錄音師,只要錄音走向正確,新年份錄音一定狂電舊年份錄音,絕無例外。如果錄音是如此明確的科學進步,那麼音響沒有理由不是如此....:D
至於時代走向低訊息量聲音,這是『時代處境』的大問題。我個每個人都可以迎合時代,也可以改變時代,當然更可以『不理會時代,自己成功就好』。以所謂的LP復興現象來說,跟著潮流輕易相信LP比CD好,這是迎合時代。很多高手偷偷玩LP卻不敢、不肯或沒能力告知別人正確的LP聲音如何調整,這是『不理會時代』。而我個人比較變態且自不量力,想要『改變時代』,所以我力主當前時代流行的高價版位LP其實聲反大有問題,都是減小訊息量的錯誤示範....(blush) (blush)
《音響就是現場》從鋼琴錄音談正確的音樂欣賞,以鋼琴演奏之LP為例
既然談到『音響就是現場』是一種方法學上的唯名論,那麼它如何有助於增進我們的音樂與音響素養?在此先前一堆鋼琴錄音的LP為例,其實,若能從中理解『錄音正確』的重要,無論是人唱片什麼媒體,通通可以一體適用。
這是我以現在的寒酸新竹客廳音響室來欣賞這一堆鋼琴LP,聽感方向與先前獨立的中壢音響室完全一樣:
http://www.my-hiend.com/psycho/NewRoom/lpall2.jpg
LP播放系統:
http://www.my-hiend.com/psycho/NewRoom/lpall3.jpg
我偷學自wecare與新竹幫的超低針壓密技與小紙團神功:
http://www.my-hiend.com/psycho/NewRoom/lpall4.jpg
鋼琴演奏的『現場』是什麼?當然我們一定是坐在鋼琴與鋼琴家的側面,鋼琴上蓋打開、開口朝我們;高音琴鍵與琴弦在近處,低音琴鍵與琴弦在遠處。換句話說,像現場一樣的音響,一定會產生與上述完全相同的音場與聲音舞台。如果聽起來是鋼琴音高由高到低會由左到右的明顯定位,這當然是亂七八糟的多軌混音與後製結果;不符合現場,當然絕對不正確,就不可能得到進階的音樂欣賞與音響科學了。
以下是這次簡單評論使用的LP:
http://www.my-hiend.com/psycho/NewRoom/lpall1.jpg
由上到下,由左到右。第一張是非常便宜的:VOX,李斯特匈牙利狂想曲,BALINT VAZSONYI演奏。結果完全符合上述的『現場感』,不過感覺高中低頻有些相位錯亂,應該還是再製加料過。但是比起其他更糟的LP,這張己經是正確太多好唱片了。於是當錄音夠正確,就可以顯示VAZSONYI這位我完全不認識的鋼琴家,基本技巧不錯,民謠風格的詮釋很明顯,不善長音色藝術;可以推測他可能是當地或鄰近的本土鋼家家。這麼高品質的LP我買不到200元,懂錄音藝術的人玩LP才會幸福...:)
再來是知名的季弗拉,只買到小宋唱片的日版,同樣的第二號匈牙利狂想曲;首先當然EMI FRANCE的錄音一定贏過VOX一截,比VOX更像現場(高中低音不會錯亂了)。於是可以明顯聽出季弗拉的『超技』傾向:前者如果是民謠風格,季弗拉簡直是狂風暴雨,形塑的旋律線材銳利無比!但是音色變化多彩多姿,這是被法國學派影響下必然的純音樂優勢。
再來是不知道什麼品牌的IPG的CLIDAT,高中低頻的正確性大過VOX,但是音場的表現卻輸了一截,會出現高音偏左而低音偏右的問題。這應該還是有一點點加料後的錄音,有點像MONO時期DECCA錄音之風格。而鋼琴家CLIDAT則是高手中的高手,傳奇中的傳奇;季弗拉完全被打好玩的。
最後一張是演錄俱最正確的貝多芬,CALLIOPE 的 Inger Sodergren 之鋼琴曲集;以前己經推爆了,現在一比之下仍然是最頂尖的LP;再次強調這家公司己經遠離了錄音藝術,越新出版的越爛!所以它的CD鐵定遠遠輸給LP。
第二排第一張是EMI FRANCE正法國版的舒伯特四手聯彈,音場完全正確。第二張布倫德爾與另一鋼琴家的Turnabout VOX之錄音,則是錯誤錄音的最佳示範!明明是一台鋼琴二手聯彈,卻可以聽到兩位鋼琴家一個在左一個在右?難道有兩台鋼琴?所以這是故意把高頻定位在左邊而把低頻定位在右邊的後製加料,乍聽音場很寬,其實完全是錯誤的。結果在這種加料之下,聽起來布倫德爾簡直是三流的鋼琴家,音色難聽到爆,直到再隔壁一張LP。
真好玩,同樣是Turnabout VOX之錄音,這張布倫德爾的舒伯特樂興之時與我最愛的D.946三首即興曲,錄音之佳完全可以追得上EMI FRANCE,並且一點都沒有上一排李斯特那張LP相位錯亂問題。結果,布倫德爾在此成為音色藝術超絕的偉大鋼琴家,比起法派鋼琴高手一點都不輸。別忘了,當年首創Fazoit大鋼琴的首席調音師,可是在訪問時公然說:『米開朗傑里好像很懂音色,其實一點都不懂;真正很懂音色的是布倫德爾......』。買到這張,真正被爽到;如果知道我標多少錢,又保證可以幹掉任何數仟元的首版lp,可能有人會吐血而死.....保證不到一百元!!...:D
再旁邊是DG的吉利爾斯,英國版,救命啊!DG的吉利爾斯錄音實在是『爛中之爛』,雖然音場還算正確,但是鋼琴乾到令人捉狂!這還是公認比較豐潤的英國版呢!其實,跟DG的德國版相比(我忍痛花900元標了吉利爾斯與約夫姆的布拉姆斯鋼琴協奏曲集之德國版),一下子就可以發現,英國版的好音質,固然黑膠本身品質可能好一點,但是更明顯的是高低頻都少了一截,所以在錯誤音響系統會感中頻變佳、相對好順耳許多。可是我的音響系統毫不留情地讓加料轉錄死得非常難看......就算不看轉錄,DG的錄音真的是比爛的。
第三排是比較蕭邦。第一張是超級殺音響的 CASSIOPEE LP,演奏 Eva OSINSKA 是超級美女高手;不過這次真的踢到鐵板了,因為 CASSIOPEE 的 CD 之轉錄大勝 LP之轉錄,相同錄音的 CD 狂電 LP,證明這家唱片公司是非常重視錄音科學,越來越進步。也就是說,買CD遠勝買LP。再者是,雖然 OSINSKA 是超級美女高手,但是遇到下一個蕾菲布級的絕世高手.....
第二張是EPIC的MONO錄音,DOYEN是何方高手現在己經罕為人知,但是對於挑剔的耳朵可以輕易聽出他有多麼偉大。EPIC雖然是MONO,而且老錄音有高低頻偏少中頻過多的缺陷;但是不後製不加料,跟現場極為相似的鋼琴矗立在眼前,這才是正確錄音。有確錄音才能方便享受正確演奏,DOYEN實在是太偉大的鋼琴家!為何我敢寫出來?因為我己經不動聲色把他的LP全包了....:P 不只鋼琴色彩變化多端,而且論及詮釋,更是把蕭邦的歌唱氣氛使用最典雅的線條表現地令人贊嘆不己。我不喜歡蕭邦,但是我被DOYEN說服地熱愛聽他的蕭邦。萬歲!男性鋼琴家終又出現一個可以跟蕾菲布相提並論的高手了!
再來是philips的阿勞,天啊!聲音雖然比DG豐潤好幾百倍,但是可以輕易聽出全頻段加料扭曲地非常嚴重!聽不出來?沒關係請服用『現場等於音響』:這台鋼琴高音時往極左邊,低音時往極右邊,而且低音的深度平面與高音完全相同,這太明顯絕對不是現象。所以,完全聽不出阿勞有什麼音色藝術的演奏技巧!要不是我有法國INA的阿勞錄音,憑這種LP或CD,我一定會斷言阿勞根本是沒有音色技巧的三流鋼琴家。這種爛LP還要花我三百元以上買?為什麼前面的正確錄音之LP反而一張不到200元?
最後是約196X的DG之阿姬麗希,原始錄音如何我不知道,在是在這張『後來出版』『經過數位轉錄』的LP中,明顯可以聽出為了彌補DG原始錄音太乾的問題,數位轉錄時加上了非常多『數位殘響』,導致音色乍聽之下是豐潤的;當然,採用『現場等於音響』的立場,馬上發現鋼琴的立場死得非常難看,才能發現那種音色完全是採用數位殘響加料出來的。結果,照樣聽不出阿姬麗希是那種等級的鋼琴家。
最後還是拿出一張要8000元的蕾菲布,當然是最正確的LP錄音與最偉大的鋼琴家。希望請大家到處宣稱蕾菲布爛得要命!我才有機會使用200以下買到她的LP....:P
(未完待續)
以上的LP聽感分享之意義何在?請回歸到]《音響就是現場》這個最基本的原則。
當LP復興後,以現在的市場而論,凡是英國版、英國錄音、英國演奏團或演奏家,很容易就會出現『ED1』或『首刻』的高價化現象。這種高價化絕非一般膚淺的『炒作價格』之道德批判,而代表著更重要的問題。
同樣的錄音與同樣的出版方式,ED1或首刻的聲音一定比新版好,這是非常客觀地科學現象,任何測試都可以出現相同結果,聽不出分別的人反而必需質疑自己的『音』之本能或音響系統的科學水準。
隨著ED1或高級版位的高價化越來越可怕,LP界開始出現『不必那麼重視版位』『輕鬆聽就好』的看法。很可惜這立刻變成巨大矛盾:LP絕對遠比CD更高價、LP絕對遠比CD更麻煩,既然選擇了又高價又麻煩的LP系統,卻又宣稱高價版位不重要?那麼還浪費時間玩又麻煩又高價的LP幹麻?如此自相矛盾的言論,必定帶出虛偽;凡是自命清高強力主張LP是聽音樂、反高價版位的,無一不是表明他只是拿『玩LP』當成自命清高的手段,當然一定是我再三論證的『偽裝的古典音樂迷』。
難道玩LP注定走向這種貴族路線嗎?
不過是幾年前,我因為在新天新地林主惟先生的影響下,從3B2T走出來,進入法國古典音樂與演奏的崇高聖殿。這下子糟了,我很少擁有法國古典音樂的第一版CD,老牌子的法國古典音樂廠之舊版CD極難找到,更有一大堆逸品只有LP沒有CD;當然可以等新天新地幾個有志再版美好唱片的好廠牌出版新CD,可是性急的我根本等不下去;所以,我只好乖乖走進LP系統,為的是這些沒有出版CD的美妙演奏。
隨著自己的LP硬體系統實力增強,很快地又讓我發現除了極少數像樣的法國小廠外,絕大多數的老錄音都是LP遠勝CD,越是國際大廠情況越嚴重、甚至達到自我扭曲的地步;『海費茲很冷冽的神話』就是狠狠指控古典音樂迷與音樂發燒友的最佳範例,必需要詳細說明。
當初人人都說海費茲的演奏很冷冽,以下引自我在《古典音樂雜誌》的舊文:『....海費茲的台風和超技給人一種冷靜無情的印像,但艾爾曼(Elmam)則被認為較溫暖;如果在實驗室中不告訴受試者目前播放的是誰的演奏,則相同曲目下,評海費茲是冷靜無情的比例不會太大;針對某些特定曲子,受試者反而會一面倒地主張艾爾曼是冷靜無情的。』
記得這個音樂心理學的實驗好像是在195X左右,嚴重的問題是,縱使有這個足以嘲笑古典音樂迷的科學實驗,當時的樂評與愛樂者仍然『不敢相信自己的真實聽感』,只願相信『廣告文宣的形容詞』,繼續堅持著海費茲很冷冽的『謊言』,一直延續到198X之後的CD時代。
CD時代開啟了唱片市場徹底商業化、毫不精緻的『庸俗時代』,唱片大廠尤其嚴重,連一些法國小廠都跟著死掉(例如CALIIOPE)。為了行銷更多海費茲的唱片,迎合所謂『冷冽就是客觀忠於原譜』的文宣口號,很明顯地發現海費茲的所有CD之音質變得『很冷列』非常冷冽(高明的音響玩家會發現這是唱片被加料扭曲而不自然)。而且相反的,華爾特被公認很溫暖,所以明明相同的唱片公司,華爾特的CD偏偏與LP一樣溫暖。歸納這些證據,我敢保證一定是製造CD時主動幫海費茲加料來營造『冷冽的謊言』,反正他們的銷售對象不是我們這種發燒友,而是一大堆沒有信心忠於耳朵又想學習入門古典音樂的人;這些人就被這種謊言活生生踐踏了,日後會對古典音樂有多少『真誠的好感』實在令人懷疑!
換句話說,除了極少數像樣的良心廠牌外,新出版(甚至老版位)的CD都是遠遠輸給LP;很多讀者質疑我為何忠於推薦新天新地的唱片?最簡單的答案就是:同樣價位的LP硬體與CD硬體之下,播放CD明顯比播放LP好聽,這就是錄音藝術進步而不擺爛的鐵證,我就會推薦這種良心廠牌。結果,我只好乖乖地推薦那些廠牌了。
LP在軟體的優勢是這麼地明顯,凡是熱愛1980年代之前的錄音與演奏者,都無法避免這種誘惑。當然了,如果那幾家重錄音藝術的CD廠商出版這種老錄音的新轉錄CD,請注意轉錄同樣是科學,新轉錄一定狂勝舊轉錄,錄音藝術高明的新轉錄CD保證大勝舊轉錄LP。沒有新轉錄CD之前,走向LP有其不得不然之故。那麼一定得被迫走向前述的貴族路線嗎?
幸好我從頭到尾堅持著『音響就是現場』的正確原則。
由於重視『音響就是現場』,我很快地就發現:很多所謂發燒的老錄音,都是因應當年音響重播能力普遍不佳的情況下(雖然有所謂經典老器材而且足以高傳真地傲視現代音響,但是相比之下實在太少數了),『削減訊息』的錯誤錄音。為何『削減訊息』呢?因為不良的音響系統下,『削減訊息』才不會殺音響,才會讓音響『好聽』。所以這些錄音在當年也許真的很發燒,時到今日根本只是三流的錄音水準,何必去追著跑呢?
我們憑什麼可以批判它們是三流錄音?很簡單,『音響就是現場』!這個標準一出現,所謂的大DECCA、RCA LIVINGSTEREO、六眼CBS......幾乎通通不合格;EMI FRANCE有非常多六十年代就可以殺現代音響的頂級錄音,但是只要是英國版,管你是ED幾就一定造成『音響不是現場』;使用錯誤LP系統可能覺得很好聽,使用正確LP系統就會發現英國版 EMI FRANCE 非常明顯在轉錄上用力加料,與 CD 中公認最爛的 GROC版之走向一模一樣。
有趣的是,先前我的LP硬體水準很差,所以覺得 EMI FRANCE 的英國版很『好聽』,但是仍然以聽出它不是那麼像現場。等到LP硬體大幅升級後,不但聽出英國版的『好聽』是因為『削減訊息』,更可反以聽出它的走向與現場完全相反。也就是說,就算LP硬體很糟,只要堅持著『音響就是現場』,最後終究會發現當年不夠好聽的LP唱片『才是夠正確的LP』。
所以,堅持這個重要原則,我馬上發現LP的軟體界充滿著更多更可怕的扭曲神話;公認的好錄音,其實都是1960年代的落後科學水準;到了現代,LP明明可以得到更接近現場的高傳真科學水準,但是發燒友與愛樂者不敢相信自己誠實的聽感,反而自我欺騙去迎合1960年代的落後水準。結果,當然下場就是硬把自己擁有百萬元性能的好LP,調整成只有十萬元性能的LP,去播放只有五萬元性能的落後老錄音,最後得到五萬元左右的音響水準,再自我催眠:我會聽LP耶!......
1960、1970年代當然有極少數高手,錄下了足以痛宰現代百萬音響頂級錄音。但是在以上社會學式的論述中,它一定是『當年』覺得很難聽、因為音響硬體跟不上的唱片。所以它絕對不可能是當年『公認』的好唱片,而需要擁有現代科學水準的發燒友不拘泥老教條地發掘出來。這些唱片因為不被公認,所以價位相對低很多,放是造成有此眼光的LP族幸福無比!只要花200元,就可以買到比第一版CD更佳的LP,然後輕易把數千元、數萬元的公認發燒LP之最佳版位打得七零八落......:)
很多人以為我只是講錄音,請注意,連演奏家的聲音你都無法正確聆聽的問題錄音,你是憑什麼認定他是大師?憑人云亦云?憑媒體廣告?前文那張轉錄地亂七八糟的DG之阿姬麗希,過度的數位殘響加料下根本『完全聽不到』阿姬麗希的音色變化,只聽得她的速度變化;這樣子可以聽出阿姬麗希是鋼琴大師?這麼一來,隨便一台midi都可以模擬一個阿姬麗希,要幾個給你幾個。再說英國版DG的吉利爾斯,那種音質被柔化的LP還可以聽得出吉利爾斯有『鋼鐵般的觸鍵』?是用『聽』得還是用『猜』的?明明是被柔化的鋼琴聲還聽不出來,這還浪費金錢與時間去麻煩地玩LP做什麼?
千萬別以為你是『聽音樂』的就可以躲掉上述批判。我的確相信即使是三流音響也可以聽到『音樂』,但是,既然打算使用三流音響,卻要麻煩地使用又貴又艱難的LP?再追逐又難買又雜音處處的二手唱片?自我欺騙永遠是音樂與科學雙重墮落的開始。再者,即使像我當年採一萬張唱片與數千本總譜來逃離三流音響的困境,最後還是流於忽視音色藝術的下場。所以『只聽音樂』是完全不切實際的高調,放在玩LP更是令人嘆息的矛盾。
因此,服膺『音響就是現場』的愛樂者或發燒友,玩LP才是幸福的。因為老錄音的優點在於很多大師與夢幻樂團己經過去,熱愛音樂的我們忍不住很想聽;老錄音的另一個優勢是『不值錢』:頂級的錄音因為曲高和寡而誇張地低價,可以得到遠比CD更好的播放效果。在這樣的雙重優勢下,我成為一個快樂卻吝於分享的LP族,因為萬一我發現的頂級LP被炒熱我就死定了......不過我很清楚,只要版權時間一到,就會有眼光獨到的頂級錄音藝術小廠幫忙出版正確轉錄的CD,到時這些LP知識無論多麼正確,終究會淹沒在歷史洪流下的;這真是可怕的宿命。
我手上的LP資料己經足夠,隨時可以舉辦『殺LP的音響分享會』,看看是我這些一張200元的LP比較高傳真?還是市場上高價版位的LP比較高傳真?這都可以當場見真章的,不過,鑑聽的音響系統一定要滿足『音響就是現場』的高傳真原則,不然我有可能會大輸...:P
其實LP一直都不是重點,重點是『音響就是現場』的原則與應用,它可以輕易地使用在音樂與音響的各種領域,其他應用就等待大家一起發掘了....:D
(END)
預告:
下一個要分析的是:
『不整齊的合奏』才是『音樂』中『聲音』的最高境界,有沒有被嚇了一大跳?.....:P :P
當然這就是法國樂團遠勝其他樂團的真正主因,當然了,只是從『不整齊』的字面去思考是得不到正確答案的,正確答案有兩個:
第一、鋼琴調音的原理:『不整齊的音高』才是鋼琴好聽的來源。
第二、請買下 AEON 出版的帕格尼尼無伴奏小提琴:
http://www.stsd99.com/music/aecd0985.jpg
我要以第24號隨想曲的八度音樂段,證明『不整齊的音高』才是小提琴八度和聲好聽的來源......:D :D引用:
廠牌:AEON / 編號:AECD0985 / 試聽一 / 試聽二
Tedi PAPAVRAMI的兩個版本的帕格尼尼24首隨想曲,分別是1997年的正式錄音版與2001年的東京音樂會實況,正式錄音的演奏完成度很高,而現場版本的即興感卻是無可取代的,兩個版本的錄音都很優秀。
只賣一張的價格!
就像我房間亂中有序,找東西都找得到的最高境界嗎?
那不應該叫不整齊或是整齊的
應該是依照指揮的節奏呀
若提琴整齊的一起發聲,但指揮原本卻是要小提琴先,那這叫整齊還是不整齊?
Tedi PAPAVRAMI真的很厲害. 我買了他在Aeon上出的巴哈無伴奏,布拉姆斯的小提琴奏鳴曲,和這一套帕格尼尼. 真的很厲害,聽了就知道.....
小葉被我誤導了.....(blush)
我所謂的『不整齊』就是指:同樣的第一小提琴聲部,假設有十二隻小提琴,每個樂手的『音高』都有些微差異、每個樂手的抖音不一致....甚至每個樂手的上弓或是下弓也不一致....我指的就是這種『不整齊』。
至於鋼琴,往往一個琴槌敲下去是敲三根琴弦,這三根琴弦如果音高一致(整齊),很抱歉這台鋼琴會呆板難聽;這三根琴弦彼此音高有些微不一致(不整齊),才會有好聽的鋼琴聲音;這是我所謂的『不整齊』。
再來就等我的詳細論證了.....8) 8)
kevintran 惦惦吃三碗公,我這幾套你都學光光!再把主惟的東東也學光,你就是天下頂尖的古典音樂高手啦!.....:D :D
其實我知道你的意思啦,故意亂的....別打我呀
相位的問題是音響展那篇~
http://www.my-hiend.com/vbb/showthre...2105#post82105
(blush)
交待一下這個喇叭的『仰角』調整:
這是左喇叭的前高後低:
http://www.my-hiend.com/psycho/NewRoom/leftV.jpg
這是右喇叭的前高後低:
http://www.my-hiend.com/psycho/NewRoom/rightH.jpg
出來的音場高度層次,要求的是:播放以下LP唱片或CD唱片,必需感覺『音場高度』破天花板而上兩層樓高:
http://www.my-hiend.com/psycho/fylp01.jpg
http://www.my-hiend.com/psycho/low/fycd019.jpg
再來,播放以下這張錄音更正確的CD,『音場高度』必需再更高一層:
http://life.fhl.net/gospel_psycho/udn/255ok/hortus.jpg
最後,播放這張唱片必需感覺是小教堂小空間,音場高度被壓縮:
http://www.my-hiend.com/psycho/141316.jpg
OK,有興趣玩的發燒友,以上三張CD通通可以在新天新地買到(或同等級的唱片),可以試試看自己的音響(音響室)能不能通過這個『音場高度』的檢驗。若不能,先調調看仰角;再不能,該換喇叭了啦!......我放在半開放客廳這種爛空間都可以得到音場高度....:P :P :D
http://www.stsd99.com/music/socd260.jpg
在高雄音響展唱片團購討論串,一堆網友被我騙了買下這一張唱片,難道都沒有人上來幹剿我買郅一張難聽到爆的唱片嗎?.....:O (blush)
因為這張唱片實在殺音響得太可怕.....(sweat)
話說我把新竹客調整好了後,放這張唱片真是好聽傳真之至;意洋洋地請我二哥(小學鋼琴老師)與二嫂(小學小提琴老師)來家裡聽舉世無雙的錄音;結果......我二嫂說:那有這麼尖這麼利的小提琴?....:( |(|- 我一聽之下,@#$^$%&(%(....真的又尖又利,我的音響又死了?
等到他們回家,再放一次準備重整;咦?我的音響完全沒問題啊??
靈光一閃,該不會是人數多造成吸音過度?於是拿了兩個一公尺多的海綿筒,約與大人一樣粗,放在音響室.....#$&#%^$&.....一切真相大白。
這張唱片應該是絕對不加料,所以高頻能量是固定的。因此音響空間只要多一點吸音,他XX的立刻擺爛給我看,真實無比的絕美小提琴變成又乾又瘦的老太婆....那有這麼殺音響空間的唱片?
什麼叫做『又乾又瘦的老太婆』?請第一軌,小提琴一開始完全以最高音弦演奏主旋律。Tosi這位舉世最偉大的小提琴家(之一)『故意地』讓這段旋律細膩而減少厚實感,在 solstics的可怕錄音之下,這段小提琴音樂只要有一點點音響或空間的不恰當,立刻從細膩變成乾瘦。 如果我的記憶沒錯,連 rendzaw 的音響室,這一段都照死不誤;至於是發生在那個環節,就要等我再去測試了才會清楚了。rendzaw 脖子乾淨等著吧!....:D